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domingo, 8 de diciembre de 2024

1era. Exposición Vida y Obra de Teresa Carreño

La imagen, el carácter y la entereza de Teresa Carreño, la extraordinaria pianista, cantante de ópera y compositora venezolana más relevante del siglo XIX y XX se hicieron presente en este homenaje que a través del arte, la poesía y el teatro le rindió la Escuela Básica Nacional que ostenta su nombre.

Esta 1era. Exposición Vida y Obra de Teresa Carreño que se realizó el pasado miércoles 4 de diciembre de 2024 tuvo como objetivo mostrar una selección de obras de cultores villacuranos que abordaron una variedad de lenguajes y soportes orientados hacia la valoración, a través de las artes, de las capacidades de la pianista, cantante y compositora venezolana María Teresa Gertrudis de Jesús Carreño García.

En este sentido, docentes, alumnos y expositores invitados pidieron conocer diversos aspectos de la vida de Teresa Carreño, visitar la galería inaugurada con ese fin y disfrutar de una obra de teatro realizada con la participación de un grupo de niños y niñas de la institución dirigidos por el docente y cultor Ángel Tirado y la actuación especial de la poeta Paula Montes, quien personificó a la homenajeada. Entre los expositores invitados en esta ocasión estuvieron Ingrid Chicote, Elizabeth Romero, Carmen Muñoz, Liris Miyares y José Argenis Díaz por la parte literaria.

Legado y pensamiento

María Teresa Gertrudis de Jesús Carreño García (Caracas, 22 de diciembre de 1853-Nueva York, 12 de junio de 1917) fue una pianista, cantante de ópera y compositora venezolana. Ha sido calificada por varios expertos como la principal pianista de América Latina de los siglos XIX y XX, así como una de las pianistas más importantes del mundo.

A lo largo de su más de medio siglo de vida artística desempeñó una importante labor como pianista, cantante, empresaria artística y maestra de generaciones de artistas de su tiempo. Teresa Carreño señalaba que la cultura general de un artista era indispensable para la proyección específica de su arte particular. En sus clases, le daba importancia a la simple observación de la naturaleza, al estudio de los seres humanos como mujeres y hombres, como creadores; al conocimiento de la arquitectura, la narrativa y la poesía.

En su gira de conciertos por Venezuela, durante el año 1886 visitó La Guaira, Puerto Cabello, Valencia, Villa de Cura, Maracaibo, Ciudad Bolívar, Curazao y Trinidad, escenarios donde fue extensamente alabada por el público de su país.

En su honor, el principal complejo cultural de Caracas, inaugurado en 1983, lleva su nombre (Teatro Teresa Carreño), así como una plaza en el parque El Calvario, dos calles, un colegio y una orquesta sinfónica juvenil de El Sistema.

Reflexión final de José Argenis Díaz

“En esta Escuela que lleva su nombre, Teresa Carreño, una imagen detenida en el tiempo nos hace recordar que somos su legado para la posteridad. Aquí aprendí las primeras letras, olí el perfume de los libros y de las flores y lo confieso, también olí el perfume de mis bellas maestras, que con firmeza y ternura forjaron mi carácter y voluntad, dándome valores e ideales por los cuales luchar. Tal vez aquí escuché los primeros versos que me hicieron amar la poesía y las letras que me han acompañado hasta este día. Gracias por existir y estar siempre en mi memoria: Escuela Teresa Carreño”

Texto: Argenis Díaz.

Fotos de Facebook de la página Teresa Carreño.

Fotos de la Galería: Argenis Díaz.

 

Venezuela la vio nacer y el mundo la vio crecer

 Teresa Carreño, artista cabal,

genio sin par de la música,

pianista de alcance mundial.

Niña prodigio que alcanzó

altas esferas de ilustración.

Ejemplo de generaciones

que hoy luchan por alcanzar

los lauros del mundo y así demostrar

que hay talento de sobra en su tierra natal

de altivas mujeres que aspiran triunfar.

Desde niña fue ejemplo de mujer tenaz.

Su vida estuvo llena de bondad y amor

de fina cultura y prodigiosidad.

Walkiria del piano sería llamada

por su imponente presencia y feminidad.

II

Sus manos de niña volaban sobre el piano

tiernas y fuertes a la vez,

brotan melodías que inundan la casa.

y el orgullo de sus padres.

Su música la lleva a mundos ignotos,

a cumbres de ensueño que la hacen vibrar.

Así crece entre notas y colores,

entre partituras y pentagramas,

entre sonidos que va descubriendo

como secretos de su mente prodigiosa.

Mujer de cuatro estaciones y siete retoños

que dieron sentido y valor a su vida,

pero fueron sus frutos de genio y figura

los que le dieron su fama universal,

ciudades del mundo le dieron el triunfo

al sonido del piano y su voz magistral.

Mujer de amplia cultura que supo dar luz

a través de su enseñanza y generosidad.

Teresa supo sortear con valentía

las adversidades que la vida le presentó.

A Venezuela volvió ya hecha mujer

y artista reconocida allende del mar.

Caracas disfrutó de sus conciertos

y en su ruta llegó a Villa de Cura

como ave que pasa rauda y segura,

detenida en el tiempo y en la memoria

de quienes la vieron y la oyeron.

Así “La Carreño” dejó su impronta

en nuestro pueblo que hoy la recuerda

como diosa del piano y bella persona.

 

Por: Argenis Díaz, poeta villacurano. 

Obra sobre Teresa Carreño.

Acto en homenaje a Teresa Carreño.

Niños y público presente.



Inaugurada Galería en homenaje a Teresa Carreño.







Trabajos de los niños y niñas sobre Teresa Carreño.

Otra de las obras sobre Teresa Carreño.

Visión artística sobre Teresa Carreño.

Retrato de Teresa Carreño en la institución.

Exposición de trabajos de los niños y niñas.


miércoles, 19 de octubre de 2022

Rolando Quero: una visión metafísica desde su propuesta plástica

Nos Observan, año 2021.

Enfrentar la propuesta de Rolando Quero, es un reto en el cual la vida y la amistad me ha hecho sentirme inmerso, y   así lo asumo sin esguinces ni cortapisa alguna. “Nos observan” salió al tapete a raíz de la pandemia que asoló el país, del proceso postoperatorio sufrido por el artista, que derivó en aislamiento y soledad en que nos sumió el Covid como colectivo o civilización humana. La Critica pictórica foránea ubica a nuestro creador, Rolando Quero, dentro de la corriente o la tendencia   del “Neo Expresionismo Abstracto”, entendiéndose   que el término Neo es lo nuevo, y al Expresionismo abstracto se concibe como aquel donde el artista de   la obra refleja o manifiesta emociones y estados de ánimo, es decir, entra en juego el fluir del mundo inconsciente, sin darle cabida de participación   a la razón, y donde los colores en su distribución dentro del lienzo denotan motivos de angustia y afectación, si  estos son chorreados o colocados en distintas zonas cromáticas del cuadro y el soporte de su tela, lo que contribuye a tocar el mundo sensible del espectador o los espectadores. Expresionismo significa angustia, pánico, color, vibración y se hace presente, sin subestimarlo, en la obra inmortal del pintor noruego Edvard Munch   con su obra maestra “El Grito”. Porque allí el autor plasma su estado de ánimo visto desde la perspectiva de lo exterior en una caminata   que realizó con dos de sus amigos. Entonces observo el espacio abierto del paseo, miro al cielo teñirse de rojo; igual efecto percibió en el agua que corría bajo el puente, atrapo la situación, y de varios bocetos plasmados o dibujados en ese instante, llegó a una representación espectral del hombre y del paisaje, de esta manera avizoraba en su cuadro celebre la tragedia de la guerra que viviría más adelante la Europa de los cuarenta.

Rolando Quero sorprendió al mes de junio, en su Galería RQ con una muestra consistente en pinturas, esculturas bidimensionales y tridimensionales en una “Tarde de Artes y Sabores” muy concurrida por los amigos de más confianza. Fuimos observando lo que nos ofrecía aquella exposición. Buena colocación de los cuadros, y esculturas, en un ambiente de luz natural durante el día o artificial en la noche.  Nos adscribimos a lo señalado por la crítica foránea, pero debemos señalar que lo abstracto como tendencia para el exponente no tiene figuración alguna y eso es una constante de su trabajo estético. Rolando Quero nos plantea   un expresionismo del adentro, metafísico por esencia, cuya denominación es lo intrínseco o del adentro o si se quiere del alma, a lo mejor, los dolores de la operación, la pandemia, la soledad, privaron sobre su ánimo y le activaron el ojo interno de Dios que todo lo ve, porque somos dioses en pequeño, y porque en esencia llevamos la chispa divina de él. Pero también nos observan desde un punto de vista metafísico los ángeles y habitantes de planetas de civilizaciones avanzadas, o hermanos mayores o tal vez los Maestros Ascendidos; lo antes acotado y sus lecturas quizás coadyuvaron o fueron acicate para poder emprender esa búsqueda estética. O tal vez su sensibilidad artística, más la sumatoria de su angustia emocional, existencial, le hicieron trasmutar su aspereza de mortificado de la vida que propició este intrínseco modo de expresión estético pinto-escultórica

Ahora pasaremos a los elementos manifestados y patentes en la ocupación que acarreo la realización de tamaña empresa plasmada por ese gran realizador. Preponderancia de vibraciones que expresan sus colores jugando con las líneas   como nueva propuesta. Imágenes sugeridas vistas desde el aire, mapas, continentes, un mundo de interioridades. Líneas negras que definen los colores vivos; preponderantes azules, naranjas, amarillos, uno que otro ocre. Causan al espectador sensaciones de luminosidad de alegría, pero el contraste a la vez de líneas oscuras o negras hacen énfasis de la preocupación del autor por la humanidad y su destino, todo es dinámico, movible en sus trazos sobre el lienzo. Cabe destacar que sus esculturas tienen colores claros, parecidos a las pinturas y en su mayoría representan ángeles sugeridos. Todo se circunscribe en lo lineal y lo cromático. En los aspectos de composición el artista distribuye los elementos en todo el espacio de la tela del soporte plano y en sus tallas de madera. Prevalece para la obra el peso visual como totalidad, no como fragmentos, Crea armonía espacial por la distribución de los cuerpos sugeridos con líneas que deforman la figura haciendo factible los contrastes de lo no figurativo. Texturas de un trazo grueso o pinceladas gruesas, con yuxtaposiciones de los objetos plasmados.

Los presentes quedamos impactados y rendidos ante la evidencia de encontrarnos con un proceso de búsqueda de Rolando Quero. Creemos y estamos convencidos sin lugar a dudas, que la presente propuesta, no se ha realizado en los tiempos actuales por otros representantes de la plástica en el país y nos atrevemos a conjeturar en ninguna parte de este continente americano, podemos colegir sin menoscabo alguno que esta propuesta es unitaria completamente entre cuadros y esculturas que materializan y espiritualizan los mismos elementos, es decir, pura esencia de corte metafísico.

Nota este escrito fue realizado en el mes de febrero del año en curso. Rolando tenía previsto. presentarlo en una exposición de la obra, creo que en Valencia o el Occidente del País, ya el pintor no está entre nosotros se fue a integrar en los colores del máximo artista del Universo, nuestro padre creador Dios. Colegimos por sus trabajos, que Rolando era un pintor con búsquedas único en Venezuela y me atrevo a aseverar que en toda la América Hispana. 

Víctor Parra Rivero   Educador Poeta y Narrador

Fotos del taller del pintor Rolando Quero.

Obra del pintor José Moisés Sumoza. Foto de María Teresa Fuenmayor,

 

RQ Galería. Foto: María Teresa Fuemayor







José Moisés Sumoza y su mural en honor de Rolando Quero.


lunes, 24 de enero de 2022

Jesús Blandín: La ingenuidad desde el arte

Jesús Blandín, pintor, dibujante y escultor calificado como ingenuo por su estilo, de condición autodidacta. Nacido en Cagua el 24 de febrero de 1947; criado en Villa de Cura a partir de los dos años de edad. Jesús Blandín fue un personaje que pudo pasar inadvertido frente a los ojos de la muchedumbre. No obstante, tanto en Villa de Cura como en Maracay nos encontramos con Blandín, ese pintor ingenuo, admirador de Reverón, siempre afable y con una voz suave, desprovisto de esa altivez que reflejan algunos pintores "consagrados".

Dotado de una gran sensibilidad por las artes, la música y la poesía, también escribía pequeñas crónicas y charlaba con mucha seguridad sobre la historia del arte, desarrollando un gusto estético envidiable. Tuvo la dicha de recorrer todo el país exhibiendo sus obras en los salones de arte, bienales y exposiciones de varias ciudades del país.

Según el pintor sucrense Argelio Martínez, en la obra de Blandín “se pueden ver paisajes con un singular colorido ocre, así como personajes mitológicos, religiosos e históricos” como temas preferidos del artista. De igual manera fue escultor de formas voluptuosas. En parte de su obra “encontramos una oda a la feminidad con sus musas de ojos grandes y bocas pequeñas quienes posaban para él en su imaginación fértil. En sus esculturas encontramos el manejo de la voluptuosidad en los torsos femeninos y un trabajo lleno de su característico colorido”.

Como ser humano el motivo principal de su vida fue producir arte y de cierta manera logró consagrarse con luz propia y dejar una huella indeleble en la historia de la pintura de Villa de Cura y Aragua.

Jesús Blandín falleció el 27 de octubre de 2007.

Texto: Argenis Díaz

Foto: José Nadal. Tomada de:

#jesusblandin Instagram Posts de Oswaldo Mora.

Jesús Blandín (1947 - 2007)

 

miércoles, 10 de febrero de 2021

Macanoly V.Q. trasciende el arte y la poesía

 Macanoly Natera, también conocida como Macanoly V.Q., artista visual y poeta bilingüe español-inglés y promotora cultural. Nació en La Victoria, estado Aragua en 1968, pero se crio en la población de El Consejo. Fue integrante del grupo de teatro Aquiles Nazoa (1988-1989), Casa de la Cultura de El Consejo. Durante su vida tuvo la oportunidad de conocer al maestro Alfredo Almeida con el grupo de teatro de títeres La Vaca de Humaguaca, aprendiendo el arte de elaborar títeres. Más tarde se inició en la pintura muralista y en el dibujo de manera autodidacta. En 1985 se desempeñó como instructora de dibujo y pintura en centros culturales, tales como la Casa de la Cultura Pedro Rafael Buznego, El Consejo, Casa de la Cultura de La Victoria, el Grupo Escolar Juan Uslar, El Consejo y en el Ateneo de La Victoria. Creó la Muestra de Artistas Plásticos denominada Una Luz en Revenga y fue cofundadora del Taller de Letras Senderos Literarios. Falleció en Caracas el 9 de febrero de 2021.

Texto y fotos del Catálogo del IPC. Municipios José Rafael Revenga/ Santos Michelena del estado Aragua. Venezuela, 2011.

 

Autobiografía en tercera persona por Macanoly

Macanoly V.Q. nació en el país del Ángel de la Cascada el 09 de junio de 1968. Ha estado escribiendo desde que era muy pequeña y a los trece años cuando su primer 'libro' escrito en rima métrica, surgió para una amiga enojada con ella. Desde entonces, no pudo detener la ola de emociones que se elevó y mientras sus letras se convertían en música, una joven compositora de gran voz, frustrada en su logro como cantante. Luego quiso silenciar 'una voz que no podía usar' y empezó a fumar a los quince años ... pero la escritura se convirtió en una voz poética que no podía evitar decir.

En 1991 conoció a un estadounidense mientras estudiaba en la Escuela de Artes Visuales 'Cristóbal Rojas' en Caracas. Quien en 1993 pasó a ser su marido, desde el inicio el matrimonio se convirtió en un duro pasaje de la vida, las diferencias de conceptos de cómo se percibe la vida, dejaron huella en su camino de escritura, su poesía adquirió cierta influencia en su tono de Sylvia Plath y Anne Sexton.

El viaje de la pluma dio inicio a un grupo de poemas cortos iniciados en español, bajo el título de “Fallen Bird”. En 1996, la cercanía se perdió en la relación, y la falta de ortografía del alma gemela se convirtió en divorcio en 1998, lo que provocó que V.Q. tuviera la custodia de los hijos durante el calendario escolar.

En referencia a sus escritos, en 1992 se publicó en español “The Loading Zone” (Zona de Descarga). Que compartió con la escritora Lissette Nucci un libro con experiencias escritas que describían las palabras en escenarios sociales suburbanos, y V.Q también compartió con ella la publicación de poemas, en su tránsito por Senderos Literarios en Venezuela.

Había escrito “When Home ...” (1990), y “From others Windows” (1991), justo después apareció el polémico libro titulado, “Prostitute of Voices” (1992-Escrito en una semana). Este libro obtuvo un premio de poesía único en el concurso nacional “Semana de la Juventud” (venezuela-1992). Pero, es excluida de la Antología de Escritores del estado Aragua de su país natal, “La Flor Olvidada”, porque los títulos y el tono de su poesía eran inapropiados en ese momento para ser publicada.

En un salto a Estados Unidos: Florida, Nueva York, Salt Lake City, Montana y finalmente Washington –todos a la vez-, se continuó con “fallen Bird” con algunos primeros poemas en inglés, aquí y allá, pero nunca terminados.

Es madre de dos hijos, los que recibió mamá como el regalo más preciado de la vida ... V.Q. Nunca se sintió cómoda al ser llamada 'escritora', podría lidiar mejor si se la conociera en un país extranjero como la madre soltera hispana sin nadie más alrededor, además de sus hijos. Cuando el niño mayor tenía ocho años y el menor de cinco, miraron el trabajo de mamá queriendo saber qué era lo mucho que hacía mamá en la computadora en su 'tiempo libre', luego le preguntaron sobre y ella los complació leyendo una breve selección de sus poemas sobre flores, inspirados en la Plantación de Flores del Valle de Skagit ... Quedaron asombrados con las letras y la cantidad, 55 textos. Y, como descubriendo la Tierra, dijeron: '¡Mamá, eres escritora! '. Por primera vez V.Q. Se sentía cómoda siendo escritora, e incluso emocionada de ser descubierta por ellos.

En la mayoría de las presentaciones como escritora hay una nota importante sobre: ​​"Mi obra poética más preciosa han sido mis hijos en existencia ... Ellos me hicieron consciente de cuál es el sentido de ser un escritor".

En 1996, mientras era un residente de Seattlelitan, comenzó un grupo de poemas abandonados con el título de "Recetas". En 2000 publicó en un sitio web “White on White” (Un elemento de fragilidad), y en 2001 ganó un tercer premio de poesía en The Shoreline Poetry Contest (Seattle), con tres flores de este libro, el primero en inglés.

En 2001 se había quedado sin trabajo después de trabajar durante dos años y medio en PK-Classroom. Mucho después de cinco meses de búsqueda desesperada de cualquier trabajo, muchas solicitudes llenas y llamadas telefónicas que nunca le regresaron. ella se rinde, y más tarde también pierde la custodia de los hijos. Se convirtió en un alma solitaria y errante en la ciudad, dejando en una decisión repentina el país en 2002… No había nadie ni nada más a su alrededor que perder.

Hasta el momento había escrito “The Words’ Motion” (construido a través de la poesía magnética), “The Horizon Between” and “Not-To-Forget”. Además, se ha publicado en “Letters of The Soul” (2003) y “Eternal Portraits” (2004), Antologías de la Biblioteca Internacional de Poesía desde 2002 (MD, EE. UU.), Y las Antologías de Noble House  Publishers, “Theatre of La Mente” (2003) y “Colores del corazón ”(2004) en  la “Antología de escritores del municipio Revenga” (Venezuela-2004). En el año 2004 ganó el premio único de poesía en la Bienal de Literatura, “Semana de la Juventud” con el libro escrito de 24 horas, “Escenas”, donde se construye un puente entre el español y el inglés, después de haber pasado un larguísimo tiempo como no hispanohablante. Quizás, se premiaron los dos libros de la Semana de la Juventud, que nunca fueron considerados por el editor para ser publicados, sobre la denuncia de temas políticos con los que ella no quiso identificarla.

Sus escritos en español habían tomado continuidad desde “Escenas” (escrito en 12 horas), donde el tratamiento inspirador provino de títulos de películas originalmente escritos en inglés. A partir de entonces, la escritura de poesía en español había tomado un nuevo fluir, los tonos tranquilos y de inquietud surgen de los recuerdos y no del momento en que se vivieron las situaciones. La conciencia y la inconsciencia estaban desempeñando sus roles en el escenario mientras el escritor observa el progreso no durante el proceso creativo, sino mirándolos cuando termina.

En 2005 escribió en ocho horas “Possible Forms” (Formas Posibles), “Losing Wait” (Perdiendo Espera) en tres horas, “Place of Meeting” (Lugar de Costumbre) escrito en una hora. En su mayoría, los tiempos de escritura registrados son las expectativas del escritor, la disciplina de la escritura para cubrir sus propios estándares en un momento hecho por ella misma, en la práctica inconsciente. Y participar en concursos de poesía trae la medida promedio de llegar a que su escritura sea conocida por sí misma, y ​​no por el nombre de los escritores, la fama local, pero, sin la actitud de un escritor, no se podría hacer habilidad y disciplina, como suelen caracterizarse algunas de esos concursos "brumosos".

"Es como dejarlo ir por sí mismo y tenerlo para obtener los créditos por las calificaciones de escritura, y no porque yo los escribiera".

El mismo año ganó el premio único de poesía de la “Bienal de Literatura Tomás Alfaro Calatrava” (Venezuela) con el libro escrito en hora y media “Desde otras ventanas”, escrito en español y traducido al inglés por la autora. Una obra donde el creador considera las vivencias de escritura desde la inconsciencia, consciente del ejercicio cuando se realiza el ejercicio de escritura, pero no de las palabras que vienen en una línea y tono inquebrantables.

Continúa escribiendo en inglés mientras vive en un país de habla hispana, porque el idioma de sus hijas dio alas a sus palabras, y la separación un hito en el rastro de las emociones. En la actualidad, además de escribir poesía, escribe artículos polémicos sobre temas socioculturales y artículos de Investigación del Patrimonio Cultural sobre la prensa local aragüeña (Venezuela) como escritora autónoma y en algunos otros medios de comunicación en Estados Unidos y Reino Unido.

VQ, también pintora, fotógrafa y escultora, trabajadora voluntaria, organizadora sociocultural, manifestante del Pacífico, también imparte “Talleres de lectura y escritura creativa” en diferentes centros culturales y anhela una vida social mejor y más clara para las personas, donde los valores son considerados y verdaderamente recuperados en una sociedad de justicia e igualdad de derechos.

“Me gusta que la palabra sea justo lo que uno necesita; en lugar de etiquetarme con palabras, libero mi espíritu en ellas”. V.Q.


 ¡Azul sin fin! ¡Mar sin fin!

  

¡Azul sin fin! ¡Mar sin fin!

¡Oh! Pulso fluido de la eternidad.

Aquí pongo mi vista lejana

en la luz guía de la luna llena.

 

A través de los bancos de descontento

y el espectro del arco iris se dobló

por el resplandor del agua cristalina

de la creciente mirada inquieta de sol;

 

vientos estancados y lluvias violentas;

chispas luminosas en llanuras con puntas blancas;

cielos de fuego y pavor de truenos;

velas temblorosas sobre hilos delgados;

 

mi barco asaltado, mi alma renacida

en un oleaje, en la tormenta que se avecina.

Aquí te canto esta mentira

¡Azul sin fin! ¡Mar sin fin!

 

Te amé ... con

corazón pirata y alma pirata…

la quietud del océano, el flujo del océano,

miedos piratas en noches tormentosas,

lágrimas de nostalgia en puntos de luz,

 

costas piratas y tierras lejanas,

manos crudas pero firmes de pirata,

cataratas piratas, arroyos fluidos,

cavernas secretas, manantiales de chorros,

 

lamiendo olas alrededor de bandas de tierra,

las blancas y puras arenas costeras de piratas,

lenguaje sencillo, verdad primordial,

era pirata y juventud pirata,

 

el mito del verano y la brisa curativa,

imponentes glaciares jactanciosos congelamiento,

suave luna colgante de otoño

y sus rayos pálidos se desvanecen,

 

la nueva vida de la primavera, calas de islas verdes,

flores en ciernes y, ¡una rosa pirata!

Al final de los días

la tumba de mi pirata,

en barro endurecido

bajo el hielo nevado.

 

Te amé ... con

la sangre de mi pirata,

la vida de mi pirata.

 

Capitán Cur

Sábado, 25 de agosto de 2012

Traducción con ayuda de Google de Argenis Díaz.

Referencias

https://www.poemhunter.com/macanoly-mackie-v-q/biography/

https://issuu.com/fondoeditorialbolivariano/docs/jose_rafael_revenga-santos_michelena_edo_aragua/39

 

Macanoly V.Q (1968-2021).

 

Libro compartido de Mananoly V.Q. Taller Senderos Literarios, 1992.


martes, 8 de septiembre de 2020

Jorge Chacón: Paisajista innovador. Grupo Sabaneta

“Yo estoy rodeado por el paisaje: el cielo, las montañas, el sol, los camburales, se meten en mi vida todos los días. Y los amo”. Jorge Chacón.

Jorge Chacón. Pintor paisajista ampliamente reconocido, nació el 5 de septiembre de 1933 en San Cristóbal, estado Táchira. Arribó a Caracas en 1952, donde realizó estudios en el Taller de Arte y cursos libres de dibujo y pintura en el Taller Armando Reverón, de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Desde  mediados de los años 70 se interna en la población rural de Sabaneta, estado Aragua, “la cuna de su imaginario, donde ha convertido los sueños en colores, formas y follajes”, según palabras del poeta y cronista literario  Alberto Hernández. Fue un paisajista innovador y uno de los pocos artistas intuitivos que evolucionaron en su trabajo hasta llegar a la abstracción y formas de experimentación próximas al ensamblaje.

Realizó decenas de exposiciones individuales y colectivas, entre ellas: Sala Mendoza, Caracas (1984); Museo de Arte de Maracay (1987), Galería Municipal de Arte (1990) y Galería Tito Salas, municipalidad de Petare (1992). Colectivas: Arte en Venezuela Hoy, Boston, Nueva York y Washington (1981); Bienal de Maracaibo, estado Zulia (1984), Salón Arturo Michelena, Valencia (1985); Bienal de Guayana, Ciudad Bolívar, estado Bolívar (1988).

Reconocimientos: Primer Premio, Bienal de Artes Visuales, Cagua, estado Aragua (1985); Premio Juan Lovera, Salón Arturo Michelena, Valencia (1987); segundo y tercer premio Salón Nacional de Arte de Aragua, Maracay, entre otros.  

Jorge Chacón falleció en Cagua en 1992.

Colecciones de sus obras se encuentran en la Galería de Arte Nacional y el Banco Central de Venezuela.

Grupo Sabaneta

Un grupo de artistas de la región, como son: José Caldas, Cristóbal Galeano, Pablo Gómez, Julio Jáuregui, Francisco Padrón, José Sucre y José Uzcátegui se reúnen en torno a lo que se conoce como el Grupo Sabaneta. “Artistas cuya pupila se ha impresionado con la luz y el color de nuestro entorno y que la ha dado a la naturaleza una interpretación muy especial. Todos ellos formados bajo las enseñanzas de un artista generoso, que no les mantuvo secretos ni les escatimó esfuerzos. Y quien les  infundió su amor por la naturaleza y por el ejercicio de la pintura. Estamos hablando de Jorge Chacón, para quien la pintura era su razón de vida y su punto de comunicación con las energías del cosmos”. (Idelisa Rincón González, directora del Museo de Arte de Maracay, 1992).

“Un hombre como Jorge Chacón, un creador de tanta fuerza, un ser que compartía sus sueños con tanta generosidad, también supo meterse en la vida de todos aquellos que se acercaron y tuvieron el privilegio de convivir con él, cerca del rumor de su pensamiento, bajo la sombra de sus ramas. Porque Chacón fue un hombre con ojos de árbol, con sus hojas, sus raíces, su voz. El sol bajaba por la savia de su sangre.

“Chacón nos enseñó a interpretar el silencio de las hojas y del agua, las plegarias del viento y del sol. Su pincelada deslumbrante, sus colores, su enseñanza sutil y sin reservas, con el pecho de par en par, como un pequeño dios con las manos en alto, nos permitió observar el mundo desde todas las orillas.

“Él nos decía: Para un artista, la pintura es la razón de su vida. Es un placer que no se puede explicar pero que lo mantiene feliz ante las adversidades”. Hermosa lección de profunda autenticidad creadora. Porque así era Jorge Chacón, tan acompañado y tan solo, greda callada llena de voces, un creador profundo y sin reposo.

“Con este modesto homenaje, nosotros queremos decirle a él, que supo estrechar todas las manos, besar las mejillas recién salidas de la locura, cantar las canciones más generosas, que ahora puede irse tranquilo, pues emergerá sonreído y con la tierra encima, cada vez que cualquiera de nosotros lo recuerde”. Grupo Sabaneta, 1992.

Exposición Pinturas Paisajistas Grupo Sabaneta. Salas de Extensión: Palacio de Gobierno, Gobernación del estado Aragua, septiembre –octubre 1992 y Sala Don Manuel Linero Salazar, La Pequeña Galería, octubre – noviembre 1992, Casa de la Cultura Rafael Bolívar Coronado de Villa de Cura. Museo de Arte de Maracay.

*** *** *** ***

“El artista latinoamericano debe recoger las raíces de su continente. Yo me siento muy cerca de los orígenes de mi país. Por eso me gusta pintar su luz, el follaje, su ritmo. Y, ahora, me gusta pegar semillas, huesos, piedras, totumas, fósiles. Son cosas que me expresan como venezolano y latinoamericano”. Jorge Chacón.

La curadora y crítico de arte Bélgica Rodríguez, al expresar sus impresiones de la obra de Chacón expresó:

“Un universo discursivo se presenta ante los ojos del espectador, combinando en múltiples y variadas posibilidades sus elementos para sustituir una espacio real, el de la naturaleza, por un espacio creador, el de la pintura… El paisaje es para Chacón la naturaleza completa integral. Cada una de sus partes representa una “realidad naciente”, lo cambiante a cada momento”’. No se trata de simplemente de percibir y trasladar a la tela los objetos de la naturaleza: “ella posee y expresa un carácter vital y existe una razón interior en el artista que lo autoriza a imprimir la impresión, la sensación y la percepción que le ha sido transmitida”, pintando con un fuerte carácter expresionista”.

Texto: Argenis Díaz.

Foto: Leonor Basalo

Foto de la obra: Darwin García.

Referencias 

Efemérides del Estado Aragua. Adalberto Pérez Ramírez. 2012.

Jorge Chacón: De la revelación a la reinvención de una naturaleza primordial. Félix Hernández. 2012.

https://issuu.com/darwingarcia/docs/artefacto7/22

Los Colores interiores de Jorge Chacón. Alberto Hernández.

https://letralia.com/ciudad/hernandez/120419.htm

Jorge Chacón (1933-1992)


Jorge Chacón (1933-1992)


Grupo Sabaneta de pintura.

Jorge Chacón. Trapiche en San Mateo.
Oleo / tela. 60 cm x 92 cm. 1976.